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Ha sido convocado el taller Fablab.07, el segundo programado en el marco del Proyecto de Innovación y Mejora Docente Fablab Transversal.
[fecha]
7-11 Febrero 2011
[horario]
Lunes, martes, miércoles, jueves, viernes de 9:30 am a 14:00 pm.
Más detalles sobre la convocatoria en éste enlace.
La semana que viene estaré dando un taller en Madrid sobre fabricación digital, vida cotidiana, intervención urbana y cultura libre. El taller se titula The commons factory :: plug ins at santa ana [la plaza donde está situado el fablab donde estaremos trabajando].
Se tratará de diseñar elementos específicos, y a la vez genéricos, para su posible ubicación en el espacio público, combinando componentes de fabricación digital [probablemente producidos con cortadora láser] con materiales reciclados abundantes en la vida cotidiana contemporánea, como botellas de plástico, vasos de papel, cd-roms, etc. Los diseños se publicarán con licencias libres [Creative Commons] para que puedan ser descargados, reproducidos y modificados [y seguramente mejorados] por cualquiera a quien convenga o le interese usarlos.
El taller lo impartiré en colaboración con la arquitecta Aretí Nikolopoulou.
Iré publicando información en un blog que está aún por crear y probablemente también en facebook. De momento os dejo el enlace: http://www.absolut-lab.com
Más info en: http://thecommonsfactory.wordpress.com
El pasado domingo Juan Luis Pavón, subdirector del periódico, me publicó una entrevista en el Diario de Sevilla que os recojo aquí para que tengáis una idea de las cosas que anda haciendo vuestro profesor.
Saludos :) jpl
Publicado por Ana Domínguez Siemens en ABCD 27.03.2010
Aparte de los interesantes diseños que se presentan en la exposición, The State of Things (como el título de la película de Wenders), ésta plantea una interesante taxonomía del diseño actual, que podríamos pensar también en relación con la arquitectura y el último ejercicio desarrollado en clase: «Nuevo Esencialismo», «Mutant Remix», «En el cuerpo», «Ansiedad social», «Más allá del diseñador», «Superbelleza», «Economía artesana» y «Design Lab»
Ron Arad, 2009, museo en Holon
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Presente y futuro efímero
Ana Domínguez Siemens
Simon Peres felicita a los responsables de Holon -una pequeña ciudad cerca de Tel Aviv (Israel)- por su nuevo Museo de Diseño. Un sueño hecho realidad, llevado a cabo, según les recuerda con una sonrisa, «sin dinero del gobierno, sólo con sus ahorros». Según me dice Ron Arad, arquitecto del edificio (su primer edificio de nueva planta), los «ahorros» eran unos 16 millones de dólares, un presupuesto exiguo del que es evidente que él ha sacado óptimos resultados.
En el mapa de la cultura. El centro, de dimensiones escuetas y rotunda apariencia, se distingue por una especie de serpentina de cinco planchas de acero cortén en tonos rojos que lo rodean y lo definen como un lugar sexy y protector a la vez, que ha puesto a Holon en el mapa de la cultura. Se inaugura con una exposición muy oportuna, The State of Things: Design and the 21st century (El estado de las cosas: el siglo XXI y el diseño), comisariada por Barbara J. Bloemink, que contó en su equipo con Julie Lasky, Aric Chen y Garth Walker, todos sobradamente conocidos como «agitadores» del diseño internacional.
Cinq-cinq designers, 2008, Cloning project http://www.cinqcinqdesigners.com/
La exposición establece el panorama de la disciplina en el siglo XXI, pero consiste, como dice Bloemick, «más en plantear preguntas que en hacer juicios de valor sobre lo que es bueno o malo». Las más de cien piezas que la componen son trabajos que sólo pueden existir en este momento, ya sea debido a la tecnología que se ha utilizado en su fabricación, el material o el concepto. Es un punto de partida perfecto para poner en perspectiva al interesado en las grandes preocupaciones del diseño contemporáneo, creando una especie de esquema general donde más adelante podrán ir situándose los trabajos que el museo vaya mostrando.
Marcando distancias. El establecimiento de este diagrama mental se facilita a través de la creación de ocho categorías en las que se agrupan los trabajos expuestos (aunque es evidente que muchos podrían pertenecer a dos o tres de ellas): «Nuevo Esencialismo», «Mutant Remix», «En el cuerpo», «Ansiedad social», «Más allá del diseñador», «Superbelleza», «Economía artesana» y «Design Lab». El «Nuevo Esencialismo» se refiere a una tendencia de la que se habla mucho en los últimos tiempos: la vuelta de buena parte de los jóvenes diseñadores a los ideales del movimiento moderno, con una estética depurada, apartada de cualquier elemento ornamental, ausencia del color y formas simples que revelan el modo en el que están realizadas. La lámpara Brave New World, de Freshwest es un buen ejemplo.
«Mutant Remix» consiste en la corriente, probablemente impulsada por el uso de internet, de mezclar motivos provenientes de diversos estilos históricos y yuxtaponerlos, creando piezas desconcertantes y de nuevos significados. La alfombra Playing with Tradition, de Richard Hutten, es un caso evidente de esta fusión. La tercera sección, «En el cuerpo», profundiza en un campo al que los diseñadores le prestan particular atención desde que el desarrollo de ciertas tecnologías como la robótica ha permitido desarrollar esta área de trabajo, en la que elementos puramente tecnológicos se convierten también en decorativos, como es el caso del audífono Hearwear, de Pierson Lloyd.
peligros cercanos. La sección «Ansiedad social» es la más amplia, y permite ver cómo el diseño refleja ahora las preocupaciones sociales y políticas de los individuos, en particular, la serie de peligros por los que los ciudadanos de este siglo nos sentimos amenazados: terrorismo, enfermedades, catástrofes naturales… Por ejemplo, la alfombra Global Warming, del colectivo NEL (para la empresa española Nani Marquina), llama la atención sobre la desaparición del oso polar.
Otra sección es la de «Superbelleza», que convive con el «Nuevo Esencialismo», siendo de talante opuesto, y que explora la vertiente ornamental del diseño. Por ejemplo, los coladores para el desagüe de Joana Meroz, perforados formando dibujos. Estas dos corrientes son un claro exponente de que no existe un camino a seguir, ni un camino «bueno», sólo maneras de enfrentarse y dar respuesta a los problemas y situaciones. En «Economía artesana» observamos el renacer de todo lo hecho a mano, probablemente impulsado por el deseo del ser humano de encontrar una forma de individualidad que le aleje de la producción industrial seriada y, por otro, respaldando una forma de apoyo al desarrollo de las economías del Tercer Mundo. Los charpoys de Doshi/Levien son un buen exponente.
Mientras se da esa tendencia de la cercanía del sujeto al trabajo hecho con las manos, hay también un interés creciente por objetos en los que el diseño es un poco casual, es decir, en el que el diseñador interviene muy poco en él. Es la sección «Más allá del diseñador», y en ella son elocuentes los diseños de Front, en los que confluyen elementos tan aleatorios como un grupo de ratones.
La vertiente experimental. Por último, el «Laboratorio de diseño», que muestra muchas piezas (varias de ellas prototipos) que han servido para la experimentación de nuevos materiales y tecnologías, como la nanotecnología o la fibra de carbón. Los asientos Lo Glo de Jürgen Mayer, en un material blando y termosensible, hablan de esta vertiente.
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¿Nuevas o antiguas figuras de género?: Madonna, para Dolce y Gabanna, 2009
Interesante artículo de Vicente Verdú, publicado en su columna del sábado pasado en el diario El País, - con las “bonitas” fotos de Madonna y Dolce Gabanna!
El ’sexy’ del ama de casa
VICENTE VERDÚ 20/02/2010
Mayor igualitarismo, más licenciadas, más mujeres ejecutivas o en puestos de dirección pero, ¿qué decir de aquellas películas italianas de la segunda posguerra en donde Claudia Cardinale, Sofía Loren o Gina Lollobrigida eran turbadoras amas de casa? ¿Qué hombre, machista o feminista, no ha continuado sintiendo una especial atracción por aquellas mujeres a la vez fieles y bravas?
De este material en blanco y negro se ha valido la publicidad de Dolce&Gabbana para anunciar la colección de primavera 2010. Se trata de una secuencia de fotos con Madonna fregando un plato ante cacharros pringosos; Madonna pelándose una naranja a solas y junto a la mesa de la cocina; Madonna comiendo espaguetis con las manos, Madonna llorando (¿una infidelidad conyugal?), sentada en la cama de matrimonio y ante la mirada de su hija; Madonna, en fin, en su azotea, ante la cuerda de tender la ropa, recogiendo una prenda interior y aspirando su perfume y el sueño de su destino.
Sin muchas dudas, los creativos de la publicidad se han convertido ya en los primeros y más audaces creadores de nuestro tiempo. Se llaman creativos y no creadores para no caer en la vana pomposidad, pero son, de hecho, quienes ahora -como antes los novelistas, los intelectuales o los pintores- reflejan con mayor precisión el espíritu de nuestro tiempo.
Se llaman creativos, tipos incisivos que se dedican día y noche a captar las vetas de la sociedad y a olfatear en las fisuras por donde humea la intensidad de los deseos.
¿Madonna ama de casa? Las webs van llenándose, desde que la campaña ha comenzado (ayer en EL PAÍS, página 11), de comentarios que condenan esa patraña de una Madonna trabajando en el hogar, y no faltan tampoco lubricias que se revuelcan en el sexy de la mujer confinada o atada a lo doméstico. Lo sometido, dependiente y esclavo, al modo que reproduce el ama de casa convencional, hoy reciclada en las fotos de Dolce&Gabbana, ha formado parte de la institución matrimonial que, a su vez, desarrolló el sadismo de los esposos y amantes.
¿Maltrato doméstico? La figura que recoge esta campaña no dice nada que pueda considerarse tan explícito como un texto sociológico pero, en las escenas de soledad, en las estampas de su abandono, en el registro de su vida rodeada de cacharros, en el retrato de su sufrimiento provocado por la posible traición conyugal, se brinda todo un sistema de significados.
Se evoca aquí, si se atiende al diseño de los muebles y objetos, la época de la posguerra italiana expuesta en los filmes de Vittorio de Sica o de Rossellini. Un tiempo que ahora, en plena crisis económica o pos tercera guerra mundial, se percibe con formidable nitidez.
De hecho, acaso no se encuentre en todo Arco y sus alrededores, en toda feria de arte contemporánea, una plasmación con más fuertes referencias (materiales, afectivas o sexuales) a la Gran Crisis. Un efecto que han logrado -a base del gancho de Madonna, efectivamente- los creativos publicitarios para Dolce&Gabbana. Antes fue mujer fatal, sacrílega, masoquista, despiadada. Ahora es una triste ama de casa. A despecho de los que todavía siguen odiando el fenómeno publicitario, he aquí una meticulosa secuencia de la contemporaneidad.
Queda para las feministas que ya se cebaban activamente con la Madonna colipoterra, obscena mujer objeto, el blanco de esta otra mujer objeto, madre y esposa sufrida, resignada limpiadora, esclava, criada y obligada prostituta, a tiempo parcial.
Sesión crítica curso Fab-bot, en el Iaac, de los profesores Marta Malé Alemany y Víctor Viña (imagen: blog Iaac)
Aprovechando los días de éxamenes estuve invitado en el Iaac (Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña, Barcelona) en dos juries (tribunales más o menos) en dos cursos impartidos por la profesora Marta Malé Alemany, que resultaron muy interesantes.
En el primero de los cursos, impartido en colaboración de Lucas Capelli, titulado Open Source Design (Diseño de Código Abierto), los estudiantes tenían que experimentar con diseños de fabricación digital en entornos open source, y a continuación diseñar una plataforma web propia para trabajar con este tipo de producciones.
En el segundo curso, Digital Fabricaction Experimental Studio (Fab-bots), impartido en colaboración con Víctor Viña, los estudiantes tenían que diseñar, conceptual y mecánicamente, máquinas de control numérico por ordenador (CNC) capaces de construir elementos o sistemas arquitectónicos que aprovechen singularmente el potencial de la computación aplicada a la construcción. Los criterios adicionales propuestos por Marta Malé para el ejercicio eran: 1/ accesibilidad (económica, cultural…); 2/ adaptabilidad (geográfica, recursos disponibles…) y 3/ especificidad (nuevos procesos de fabricación que aprovechen el potencial computacional desde un punto de vista puramente arquitectónicos). Se trataba de una presentación de mitad de curso. Aún así, los resultados preliminares de este estudio de arquitectura “próximo a la ciencia ficción” son ya de enorme interés.
Marta Malé dirige, con mucho éxito, un curso parecido a éste en la Architectural Association de Londres. También hay un curso similara éste, impartido por Neil Gershenfeld, “el iniciador del movimiento de los fablabs”, en el MIT. Este curso se llama “How to Make Something That Makes (almost) Anything”.
Podéis ver detalles de los cursos en estos enlaces:
Curso Open Source Design / Iaac:
http://www.iaacblog.com/2009-2010/MAAphase2/s2/
http://www.iaacblog.com/2010/02/s2-open-source-design-5/
Curso Fab-bots / Iaac:
http://www.iaacblog.com/2010/02/rsiii-digital-tectonics-fabbots-3/
http://www.iaacblog.com/2009-2010/MAAphase2/rs3/?page_id=2
Curso HMSM(a)A / MIT:
http://fab.cba.mit.edu/classes/MIT/961.09/
Máquina CNC, photo: Dan Winters. Procedencia de la imagen: http://www.wired.com/magazine/2010/01/ff_newrevolution/
Hace ya unas semanas acabé un texto en el que venía trabajando desde hace tiempo, en el que trato de investigar las relaciones existentes y potenciales entre arquitectura y software libre, y más específicamente, de los potenciales de la aplicación de los modos de producción del software libre a la arquitectura. El título completo es: Arquitectura FLOS. Del DIY (Do It Yourself) al DIWO (Do It With Others). El texto lo he escrito por encargo de Alejandro González para el catálogo del concurso Caja de Herramientas, que convocó en 2008 en colaboración con Arquitectura y Compromiso Social.
El texto comienza con la contextualización del tema del software y la cultura libre, para luego centrarse en tres casos, que son el de Santiago Cirugeda, la red Fab Lab del MIT y el trabajo de hackitectura.net.
Despúes de estos últimos días en Barcelona, parece que tendré que hacer bastantes actualizaciones. Especialmente tras asistir a la presentación de los trabajos del curso de Marta Malé en el Iaac Open Source Design. Los trabajos de este curso pueden verse en el enlace a continuación: http://www.iaacblog.com/2009-2010/MAAphase2/s2/
El texto puede descargarse aquí: http://www.hackitectura.net/osfavelados
Imagen de la película Wall-e (Andrew Stanton, 2008) en la que nuevas máquinas salvan la tierra del desastre socio-ecológico
Clase impartida por José Pérez de Lama en el módulo 3 del Máster Ciudad y Arquitectura Sostenibles de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla.
GUIÓN DE CONTENIDOS
Nota previa: Ecología ambiental, ecología social y ecología mental
Naturalezas electrónicas: algunas prácticas artístico-arquitectónicas
Man Plus, McHale, contado por M. Wigley
W. Mitchell: cíborgs espacialmente extendidos
Interferencia: Donna Haraway, cíborg-feminismo
Toyo Ito, una arquitectura de límites difusos
Guallart, Hyperhábitat
Un estudio previo: Sevilla 2047
Artículo bastante crítico de Anatxu Zabalbeascoa sobre el proyecto de Gehry publicado hoy en el diario El País:
Una cruzada de desventuras
ANATXU ZABALBEASCOA 16/01/2010
Mientras el cementerio judío del Monte de los Olivos se convertía en Patrimonio Histórico, otro antiguo campo santo de Jerusalén, en el barrio musulmán de Mamilla, pasaba a ser solar del Museo de la Tolerancia que debía levantar Frank Gehry: malos cimientos. Parte de una generación de museos más interesada en inculcar valores que en mostrar riquezas, éste iba a ser el más caro y el mayor del mundo. La tolerancia tenía números: 250 millones de dólares (unos 175 millones de euros) y 30.000 metros cuadrados.
La idea partía de una fundación de Los Ángeles, el Centro Simon Wiesenthal, con un centro similar que, sin envoltorio arquitectónico, atrae desde 1993 a 350.000 visitantes al año. Tras transformar Bilbao con el Guggenheim, el arquitecto de origen judío Frank Gehry podía parecer apropiado desde el otro lado del Atlántico, pero sonaba a película de Hollywood en Israel.
La historia del museo que se ha quedado sin arquitecto no ha sido fácil. Nunca lo es. Un edificio, cualquiera que logra construirse, está siempre plagado de renuncias. De renuncias y de empeños. Cuanto mejor es el arquitecto, más renuncias es capaz de reconducir. Los mejores consiguen adaptarse y a veces incluso crecerse con esas dificultades. No va a ser el caso. Desde que el Rabino Marvin Hier anunció en 2002 la construcción del museo “con forma de frutero” las obras han sufrido una cruzada de desventuras. Al principio se toparon con la oposición generalizada de judíos y palestinos que, irónicamente, sí parecían unidos contra el proyecto. Los foros de Internet también clamaron contra una obra que parecía ser particularmente tolerante con los promotores, ansiosos por llevar una atracción turística al viejo Jerusalén. También la crítica le dio la espalda. Para The New York Times los bloques de piedra del edificio evocaban incómodamente un inmueble destruido. La prensa local asumió un grito de guerra: “Jerusalén no es Bilbao”.
Cuando comenzaron a exhumar cuerpos del antiguo cementerio, la Corte Suprema paralizó las obras durante dos años. Pero el invierno pasado permitió continuarlas. La razón argüida: “El valor del nuevo museo sobrepasaría las fronteras israelíes”. Gehry, llamado Ephraim Goldberg antes de emigrar de Toronto a Los Ángeles, afrontó las exigencias y desventuras del proyecto: desde su presentación a cargo del hijo de un nazi austriaco, el gobernador Arnold Schwarzenegger, hasta las protestas generalizadas. Con 80 años, continuó al frente de las obras hasta que algo le ha parecido inadmisible: reducir el tamaño del proyecto.
TALLER DE INTRODUCCIÓN AL DISEÑO PARA LA FABRICACIÓN DIGITAL [CON CORTADORA LÁSER] / Aula de realidad virtual y prototipado
Atención: Límite fecha inscripción día 9.12.2009
Fechas: 11-12 y 15-18 de diciembre de 2009
Descripición del taller
El taller se dirige a profesores, becarios y PAS, pero se invita también a la participación de los estudiantes.
El taller se iniciará con una sesión de presentación teórica del panorama de la fabricación digital para la arquitectura: máquinas y procedimientos, casos de estudio, líneas de investigación actuales, tipología de fablabs, máquinas que hacen máquinas.
A continuación se desarrollará colaborativamente el diseño y la fabricación digital de una pieza tipo lámpara lineal y modular (que apoye en la pared y cuelgue del techo), que será colocada finalmente en un espacio común de la Escuela. Para desarrollar el proceso se trabajará con el programa de modelado 3D Rhinoceros y la cortadora láser del Fablab de la ETSAS. Se presentarán los comandos de Rhino necesarios para el desarrollo del ejercicio propuesto, se trabajará a continuación, en grupos, sobre distintos segmentos del modelo preparado por la profesora, deformándolos, seccionándolos para su construcción, y desarrollando a continuación los archivos para el corte (tectónica digital del modelo). Finalmente, se cortarán los archivos en el Fablab, se ensamblarán las diferentes piezas y se instalará en la Escuela de forma pública la unidad formada por el conjunto de módulos.
Más info: http://htca.us.es/blogs/talleresfablab/
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